대다수의 댄서들의 경우 스튜디오나 회사에서 얼마간의 훈련을 거친 뒤 안정기에 접어드는 것이 일반적입니다. 하지만 댄스 워크숍의 경우에는 이런 것들을 댄서들이 바꾸고 새로운 연결고리를 만들거나 자신들의 익숙한 상황에서 벗어나도록 합니다. 여러분이 만약 댄스 사업을 하고 있다면 댄스 워크숍을 조직하는 것은 드문 일이나 댄스 스튜디오의 정형화된 스타일에서 벗어나 이름을 알리고 새로운 수강생 또는 고객에게 여러분을 소개할 수 있는 좋은 방법입니다.
그럼에도 불구하고 댄스 워크숍을 운영하는 것은 일련의 독특한 도전일 수 있습니다. 이쯤 되면 이러한 질문들이 나올 수 있겠죠. 게스트로 아티스트를 초대하겠습니까? 시그니처 스타일로 가르치겠습니까? 댄스 클래스는 길이가 얼마 정도가 되어야 합니까? 이번 포스팅에서는 여러분의 질문에 관한 답변은 물론 댄스 워크숍을 운영하기 위한 모범사례에 대해 정리해 보겠습니다.
댄스 워크숍이란?
본래 댄스 워크숍은 매주 정기적으로 제공되는 것이 아닌 한 번으로 끝나는 댄스 기술 및 이론 수업이라고 할 수 있습니다. 댄스 워크숍은 마스터 클래스와는 달리 댄서가 워크숍 주제에 더 깊이 파고들어갈 수 있을 만큼 길게 진행됩니다. 무엇을 가르치느냐에 따라 워크숍의 진행 시간도 달라지는데 대부분의 댄서는 워크숍이 최소 3시간에서 4시간이 될 것으로 예상합니다. 그렇지 않은 경우에는 마스터 클래스에 더 가깝다고 할 수 있습니다.
보통 워크숍은 공인된 댄스 전문가에 의해 진행되며 댄스 워크숍의 수업 내용과 수준은 크게 다를 수 있습니다. 댄스 스튜디오 인구 통계에 따라 수업은 인트로 수업이 되거나 고도로 전문화된 전문가 양성 수업이 될 수도 있지만 수업을 누가 주도하느냐 - 게스트로 온 아티스트가 주도하는지를 포함해 여러 측면에 따라 달라질 수 있습니다.
여러분의 시그니처 스타일 : 구체적이어야 합니다
댄스 워크숍을 주최한다는 것은 댄스 스튜디오의 정체성을 확립할 수 있는 기회이기도 합니다. 대표적인 수업이 발레나 힙합, 컨템퍼러리, 힐 등 어떤 것이라도 워크숍을 통해 잠재 고객을 끌어들일 수 있습니다.
여기서 중요한 것은 특정한 기술에 대한 워크숍을 진행한다는 것은 현재 수강생들이 이미 접한 기술을 더 깊게 파고들 수 있는 기회를 뜻합니다. 때문에 이것을 최대한 활용하기 위해서는 워크숍에서 가르치는 기술은 꽤나 구체적이어야 합니다. 이를테면, 현대무용이라는 주제로 무언가를 가르친다면 릴리스(Release) 테크닉이나 호튼(Horton) 같은 정확한 테크닉을 소개해야 합니다. 발레의 경우에는 체케티(Cecchetti) 기법 혹은 바가노바(Vaganova) 테크닉을 사용할 수 있습니다. 기본적으로 댄서라면 일반적이면서도 광범위한 댄스 스타일에 잘 인지하고 있기 때문에 각 스타일 간의 차이점에 대해 명확하게 알고 있어야 합니다.
만약 여러분이 안무 워크숍을 진행한다면 여러분 또한 어떤 스타일의 안무를 뽑아낼 것인가에 대해 명확하게 보여주고 싶을 것입니다. 여러분은 어디서 뽑아내고 있나요? 컨템퍼러리 댄스 극장? 아니면 재즈 스타일? 모더니스트 또는 포스트 모더니스트 안무 이론에서? 가르치는 것이 무엇이든 분명하게 여러분의 구체적인 전문성을 보여주세요. 이에 따라 비즈니스 평판 향상은 물론 새로운 수강생을 확보할 수 있을 것입니다.
게스트 아티스트
여러분의 커리큘럼에서 특정 기술을 가르치는 것도 중요하지만 게스트 아티스트는 더 넓은 커뮤니티에 다양한 무언가를 제공할 수 있는 기회이기도 합니다. 많은 학교와 스튜디오, 전문 회사에서는 게스트 아티스트의 댄스 워크숍을 개최하여 협업하거나 다방면의 댄스 클래스로 다른 스타일을 소개하곤 합니다. 만약 여러분이 발레 스튜디오를 운영한다면 모던이나 재즈 힙합과 같은 다른 분야의 워크숍을 제공하는 것은 언제나 옳습니다.
특정 댄스 장르의 시그니처 스타일을 가지고 있다면 같은 장르이지만 다른 기술을 가진 게스트를 초대하는 것도 좋습니다. 예를 들면, 스튜디오가 앞으로 재즈(Afro-jazz)에 중점을 둔다면 클래식 재즈나 스윙, 블루스를 가르치는 게스트 아티스트를 초대하는 것입니다. 아니면 탭 댄스를 정기적으로 가르치는 경우, 아일랜드 스텝이나 클로깅처럼 발에 초점을 맞춘 댄스 스타일을 제공하는 것도 훌륭한 방법입니다. 이에 따라 댄서들은 동일한 근육들을 보다 역동적인 방식으로 발전시킬 수 있습니다. 여기서 가장 중요한 점은 게스트 아티스트를 워크숍에 초대함으로써 댄스 스튜디오의 커뮤니티가 침체된 일방통행로가 아닌 하나의 연결된 교차로 역할을 할 수 있다는 것입니다.
등록에서부터 수업이 끝난 이후까지, 프레젠테이션은 중요합니다
From the moment students sign up to the end of the class, presentation matters. Like any class, it’s imperative to make sure your physical classroom has a unique, clean design; but, while great studio design and equipment help set your studio apart, don’t overlook studio organization as a way to put your best foot forward. Stress-free registration, well-spaced studios, and easy-to-use payment will keep clients around. Our appointment software plan is designed with your clients in mind, and includes payment integrations and painless registration. Our platform even allows clients to register a friend, which is particularly useful for dancers, as they tend to run in pairs.
It’s important to also show that you prioritize dancers’ health, time and space. In a post-pandemic world, your physical space should be appropriately optimized for dance health. With Ruoom, social distancing is effortless. Just type in the measurements for your classroom, and our software will provide you with the best way to divide your classroom for social distancing.
댄스 워크숍이 고객들의 경험을 기반으로 구성되어야 한다면 정규 수업 일정에 맞춰 재진행 될 가능성이 크지만 실제로 한층 더 나아가기 위해서는 아직 몇 가지 단계가 더 남아있습니다.
댄스 워크숍이 끝나고; 실용적인 것을 제공하고 관계를 형성하세요
댄스 커뮤니티를 개척하는 것은 어렵지만 댄스 워크숍은 댄서가 예술의 행위 안에서 자신을 위치를 굳건히 하는 것에 도움이 됩니다. 특히 댄스 업계에서 소셜 미디어는 전문적인 프레젠테이션의 공간이자 커뮤니티에서 자리매김할 수 있는 핵심적인 역할을 합니다. 즉, 테크닉을 가르치는 댄스 워크숍에서 배운 구절을 연습하는 댄서들의 고품질 영상을 제공함으로써 댄서들은 시간과 돈에 대한 대가보다 더 실용적인 것을 얻을 수 있습니다.
무엇보다 중요한 것은 댄서가 워크숍을 어떻게 적용해 나가는지 확인하는 것입니다. 댄스의 장르와 폭넓은 주제들 내의 관련성 그리고 댄서들의 전반적인 테크닉 또는 경험이 향후 수업에 어떤 이점을 보여주는지를 항상 설명해야 합니다.
끝으로 댄스 워크숍을 마친 이후에는 관계를 형성하는 것이 중요합니다. 워크숍을 마무리하기 전에 금일 진행한 워크숍만큼 더 많은 수업을 들을 수 있는 곳을 안내해 주고 연락처 및 정보를 얻어보세요. 사람들은 한 번 재미있고 안전한 경험을 했다는 것을 인지하면 반드시 다시 여러분을 방문할 것입니다.
